¿Cuáles son las obras de Rembrandt? Información sobre las pinturas, temas bíblicos, grabados y dibujos de Rembrandt.
Rembrandt fue un pintor y grabador notablemente prolífico y versátil. No es posible contar con certeza, ya que se le atribuyen muchas pinturas de sus aprendices. Solo podemos conjeturar que nos quedan alrededor de 700 pinturas al óleo. No menos de 500 aguafuertes procedían de la imprenta que él mismo mantenía ya menudo operaba.
Pinturas
Aunque cada uno de los lienzos de Rembrandt lleva el sello inmutable de su genio y personalidad, sus técnicas fueron variadas. A veces trabajaba con grandes líneas cortantes e intensos contrastes de color y textura, ya veces acababa sus superficies como si estuviera haciendo una miniatura. Utilizó todos los métodos de aplicación de su pintura, desde los lavados más delicados que permiten que el lienzo se vea a través del empaste más pesado (pintura aplicada en profundidad y moldeada con pincel, dedo, mango de pincel o espátula).
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Hasta el momento de su muerte, Rembrandt se utilizó a sí mismo como sujeto, no por vanidad —los retratos son despiadados y registran cada arruga, diente roto y mechón de cabello canoso— sino porque era un modelo siempre disponible y posiblemente porque, al estudiar su propia persona, podía estudiar la trágica historia de cada hombre. Su familia fue otra fuente inagotable de temas; madre, hermana, padre, esposa, amante, hijo y hermano están pintados repetidamente. El espléndido autorretrato en el Museo Frick, Nueva York (1658), es uno de una serie de 62, todos los cuales son posesiones valiosas de museos de todo el mundo. Hay una imagen conmovedora de su padre en el Museo de Bellas Artes de Boston. El rostro envejecido e intrincadamente arrugado de su madre se muestra inclinado sobre la Biblia en su pintura de una anciana leyendo (1631; Rijksmuseum),
Un retrato de Saskia se encuentra en la Colección Widener de la Galería Nacional de Washington, DC, y uno de los que la pintó como la diosa Flora se encuentra en la Colección Stettenheim de la ciudad de Nueva York. El Museo Metropolitano posee una conmovedora imagen del anciano Hendrickje (1660) y un hermoso lienzo del niño Titus (1655). Tres retratos del hermano de Rembrandt, Adriaen, hacen difícil creer que el célebre Hombre del casco dorado (c. 1651; Museo Kaiser Friedrich, Berlín) sea alguien más que él.
Gran parte de los ingresos de Rembrandt, como los de cualquier artista holandés contemporáneo, procedían de encargos de retratos. En estos, a veces era simplemente un virtuoso, preocupado tanto por los encajes y las perlas como por las caras insípidas que tenía que pintar. En otros, como el profundo Hombre con lupa (c. 1651; Museo Metropolitano), su intención psicológica y espiritual arroja a la sombra las maravillas de su técnica. A menudo pintaba amigos, sirvientes, rostros vistos en la ciudad. Aún más a menudo, debido a que su casa estaba en la sección judía, pintó los rostros inquietantes, sabios y sufrientes de los judíos expulsados de España, Portugal, Alemania y Polonia para encontrar refugio en Amsterdam caritativo y de mente abierta.
Los paisajes de Rembrandt son pocos, pero son ricos en sugerencias de la majestuosidad y el misterio del espacio deshabitado. Los temas que eligió de la leyenda o la historia, fuentes muy populares en su época, son aún menos; su Aristóteles contemplando el busto de Homero es, con Dana’e (1636; Hermitage, Leningrado), el mejor en esta categoría.
Temas Bíblicos.
Es de destacar que Rembrandt debería haber pintado alrededor de 150 temas bíblicos. En un país austeramente protestante, el único mercado era el comprador privado relativamente raro. Cardenales, obispos y arzobispos compraron con entusiasmo las obras de su contemporáneo Rubens a buenos precios. Pero las iglesias protestantes de la República Holandesa fueron severamente encaladas, y se asumió que las pinturas interferían con la meditación, por lo que podemos inferir que la razón de Rembrandt para pintar escenas del Antiguo y Nuevo Testamento era una profunda afinidad con la Biblia. Aunque no pertenecía a ninguna congregación, tenía una estrecha amistad con los pastores de la secta menonita, que se adhirió a los principios de la comunidad cristiana primitiva. También estaba muy unido a los miembros de la comunidad judía, y sus pinturas del Antiguo Testamento muestran un conocimiento más que superficial de la tradición judía. Sansón y Tobías (Tobías) lo atrajeron en su juventud. Betsabé, Susana, Esther Joseph y Jacob lo sostuvieron en sus últimos años. El Buen Samaritano, Cristo en Emaús, la Crucifixión y la Resurrección, y la Curación de los Enfermos fueron temas recurrentes.
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En 1660 estaba trabajando en San Pedro negando a Cristo (Rijksmuseum); y Simeón recibiendo al Niño Jesús fue probablemente su última obra, apenas iniciada antes de su muerte. A partir de 1640, la mayoría de los modelos de sus obras bíblicas fueron judíos, un hecho que hoy damos por sentado pero una innovación en su propio tiempo*, cuando la influencia de la Escuela Italiana dio una belleza mediterránea a la gente humilde entre la que Cristo vivió y vivió. cuando Rubens pintaba a la Magdalena como una opulenta belleza de los salones. y Jacob lo sostuvo en sus últimos años. El Buen Samaritano, Cristo en Emaús, la Crucifixión y la Resurrección, y la Curación de los Enfermos fueron temas recurrentes. En 1660 estaba trabajando en San Pedro negando a Cristo (Rijksmuseum); y Simeón recibiendo al Niño Jesús fue probablemente su última obra, apenas iniciada antes de su muerte. A partir de 1640, la mayoría de los modelos de sus obras bíblicas fueron judíos, un hecho que hoy damos por sentado pero una innovación en su propio tiempo*, cuando la influencia de la Escuela Italiana dio una belleza mediterránea a la gente humilde entre la que Cristo vivió y vivió. cuando Rubens pintaba a la Magdalena como una opulenta belleza de los salones. y Jacob lo sostuvo en sus últimos años. El Buen Samaritano, Cristo en Emaús, la Crucifixión y la Resurrección, y la Curación de los Enfermos fueron temas recurrentes. En 1660 estaba trabajando en San Pedro negando a Cristo (Rijksmuseum); y Simeón recibiendo al Niño Jesús fue probablemente su última obra, apenas iniciada antes de su muerte.
A partir de 1640, la mayoría de los modelos de sus obras bíblicas fueron judíos, un hecho que hoy damos por sentado pero una innovación en su propio tiempo*, cuando la influencia de la Escuela Italiana dio una belleza mediterránea a la gente humilde entre la que Cristo vivió y vivió. cuando Rubens pintaba a la Magdalena como una opulenta belleza de los salones. y Simeón recibiendo al Niño Jesús fue probablemente su última obra, apenas iniciada antes de su muerte. A partir de 1640, la mayoría de los modelos de sus obras bíblicas fueron judíos, un hecho que hoy damos por sentado pero una innovación en su propio tiempo*, cuando la influencia de la Escuela Italiana dio una belleza mediterránea a la gente humilde entre la que Cristo vivió y vivió. cuando Rubens pintaba a la Magdalena como una opulenta belleza de los salones. y Simeón recibiendo al Niño Jesús fue probablemente su última obra, apenas iniciada antes de su muerte. A partir de 1640, la mayoría de los modelos de sus obras bíblicas fueron judíos, un hecho que hoy damos por sentado pero una innovación en su propio tiempo*, cuando la influencia de la Escuela Italiana dio una belleza mediterránea a la gente humilde entre la que Cristo vivió y vivió. cuando Rubens pintaba a la Magdalena como una opulenta belleza de los salones.
Prácticamente cada uno de estos lienzos bíblicos tiene su propio atractivo sorprendentemente directo; es como si Rembrandt negara los siglos e hiciera que los hechos sucedieran ante nuestros ojos. Entre los más notables se encuentran: Jacob luchando con el ángel (c. 1660-1661; Museo Kaiser Friedrich); El sacrificio de Abraham (1635; Hermitage); Betsabé (1654; Louvre, París); El regreso del hijo pródigo (c. 1668-1669; Hermitage); y el tierno estudio de retrato de la Cabeza de Cristo (Museo Metropolitano). A estos debe agregarse el famoso “Estampa de cien florines” Cristo sanando a los enfermos (fecha en disputa), la corona de su trabajo en aguafuerte, en el que la perspicacia psicológica y religiosa y el dominio técnico se combinan para producir una obra maestra.
Grabados y Dibujos.
En la época de Rembrandt, su reputación como grabador era mayor en toda Europa que su reputación como pintor. Era una época en la que todas las familias deseaban poseer, si no un cuadro, al menos un grabado para colgar en el salón. También fue una época en la que los coleccionistas aficionados guardaban cajones llenos de grabados que podían disfrutar y mostrar con orgullo a sus invitados. Los aguafuertes de Rembrandt circularon por toda Europa y fueron especialmente valorados porque hubo varias etapas o versiones de los mejores. Nunca contento con la placa de cobre de la que imprimía, siguió cambiándola, a veces en detalle ya veces de manera general. Solo él o el mejor de sus aprendices hicieron las huellas. La mayoría de ellos eran pequeños, y el cuidado y la habilidad involucrados en los detalles minuciosos eran casi increíbles. Son tan variados en técnica como las pinturas. Algunos consisten en el menor número posible de líneas, y otros están minuciosamente sombreados con el detalle más exquisito. En su día, eran famosos por sus «negros aterciopelados», sombras profundas pero lo suficientemente transparentes como para permitir que apareciera una sugerencia de formas indistintas. En sus últimos años, Rembrandt dejó de grabar por completo, posiblemente porque su vista había comenzado a fallar.
El número de dibujos de Rembrandt debió ser prodigioso. Algunos se han conservado y son extraordinarios por su forma segura y resumida de transmitir las ideas más complejas con la mayor sencillez; pero en su época los dibujos se consideraban meros ejercicios exploratorios antes de pintar o grabar, por lo que podemos concluir que cientos se usaban como planos y luego se desechaban.
La reputación de Rembrandt.
Las modas en la pintura y los propios conceptos internos de Rembrandt sobre sus objetivos como pintor no solían coincidir. En sus primeros años, mientras estudiaba con Lastman y vivía feliz con Saskia, su obsesión por el esplendor y la emoción dramática coincidía con la de los grandes pintores barrocos internacionales entonces de moda, y él cabalgaba en la cresta de la ola. La llamada Ronda de Noche fue una apoteosis del barroco; en él logró satisfacer la demanda de acción, trazo agitado y rico atavío; pero también combinó el barroco fantástico con su propio concepto de la realidad. Ser fiel a la naturaleza y la realidad tal como las veía era su principio permanente, y algún cambio en su vida después de la muerte de Saskia le hizo ver la naturaleza y la realidad cada vez menos espléndidas y cada vez más trágicas y profundas. Aunque de vez en cuando volvía a la magnificencia oriental, las actitudes teatrales y la sugerencia de un movimiento agitado que lo había fascinado antes, la tendencia principal de su trabajo era hacia la quietud, el interior, la profundidad. Pintó el cuerpo como una envoltura del espíritu; y el espíritu, tal como lo vio en su madurez, a menudo estaba cargado de tristeza y tocado por la sombra de la muerte.
A medida que se involucraba más en su búsqueda del espíritu, se volvía más audaz en las técnicas a través de las cuales esperaba representarlo. Julius Civilis y varios autorretratos tardíos tienen una atrevida cualidad experimental que es casi contemporánea. Pintó el cuerpo como una envoltura del espíritu; y el espíritu, tal como lo vio en su madurez, a menudo estaba cargado de tristeza y tocado por la sombra de la muerte. A medida que se involucraba más en su búsqueda del espíritu, se volvía más audaz en las técnicas a través de las cuales esperaba representarlo. Julius Civilis y varios autorretratos tardíos tienen una atrevida cualidad experimental que es casi contemporánea. Pintó el cuerpo como una envoltura del espíritu; y el espíritu, tal como lo vio en su madurez, a menudo estaba cargado de tristeza y tocado por la sombra de la muerte. A medida que se involucraba más en su búsqueda del espíritu, se volvía más audaz en las técnicas a través de las cuales esperaba representarlo. Julius Civilis y varios autorretratos tardíos tienen una atrevida cualidad experimental que es casi contemporánea.
En 1656, cuando Rembrandt estaba en bancarrota y en su punto más bajo, el barroco había comenzado a perder su dominio en Europa y un nuevo estilo estaba de moda en Ámsterdam: el estilo suave, sedoso y favorecedor desarrollado por Anthony van Dyck en la corte de Carlos. I de Inglaterra, un estilo que más tarde produciría obras maestras como las de Jan Vermeer de Delft. Pero la nueva influencia era desagradable para Rembrandt. ¿Cómo podía haber pintado una superficie sedosa cuando toda su vida había aplicado pintura como él deseaba? ¿Cómo podía él, que había pasado su vida en trabajos gigantescos y luchas violentas, haber limitado su visión del mundo a pequeños y suaves cuadros de alguna serena escena doméstica? Mientras se desarrollaba el nuevo estilo, él siguió desarrollando su propio estilo, que solo unas pocas personas, como el Dr. Tulp y la familia Six, siguieron con entusiasmo.
Sin embargo, ahora, cuando miramos esas pinturas suyas —La novia judía (c. 1665; Rijksmuseum), el Retrato de familia (c. 1667-1669; Museo Herzog Anton Ulrich, Brunswick), El hijo pródigo y los últimos autorretratos— ved que fue en sus últimos años, en la enfermedad, la pobreza, la pérdida y la soledad, cuando realizó su mayor obra. La técnica es atrevida; los trazos son los trazos casi descuidados del maestro seguro de sí mismo; el conocimiento del hombre y de sus obras parece traspasar los confines de esta tierra; las figuras existen contra un fondo sombrío que sugiere el espacio infinito o la negrura de la muerte; y, sin embargo, las imágenes brillan con un esplendor sobrenatural que sugiere la indestructibilidad de la esencia espiritual. Su mayor afinidad es con las obras posteriores de Museo Herzog Anton Ulrich, Brunswick), El hijo pródigo y los autorretratos finales: vemos que fue en sus últimos años, en la enfermedad, la pobreza, la pérdida y la soledad, cuando realizó su mayor obra. La técnica es atrevida; los trazos son los trazos casi descuidados del maestro seguro de sí mismo; el conocimiento del hombre y de sus obras parece traspasar los confines de esta tierra; las figuras existen contra un fondo sombrío que sugiere el espacio infinito o la negrura de la muerte; y, sin embargo, las imágenes brillan con un esplendor sobrenatural que sugiere la indestructibilidad de la esencia espiritual.
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Su mayor afinidad es con las obras posteriores de Museo Herzog Anton Ulrich, Brunswick), El hijo pródigo y los autorretratos finales: vemos que fue en sus últimos años, en la enfermedad, la pobreza, la pérdida y la soledad, cuando realizó su mayor obra. La técnica es atrevida; los trazos son los trazos casi descuidados del maestro seguro de sí mismo; el conocimiento del hombre y de sus obras parece traspasar los confines de esta tierra; las figuras existen contra un fondo sombrío que sugiere el espacio infinito o la negrura de la muerte; y, sin embargo, las imágenes brillan con un esplendor sobrenatural que sugiere la indestructibilidad de la esencia espiritual. Su mayor afinidad es con las obras posteriores de que su mayor obra estaba hecha. La técnica es atrevida; los trazos son los trazos casi descuidados del maestro seguro de sí mismo; el conocimiento del hombre y de sus obras parece traspasar los confines de esta tierra; las figuras existen contra un fondo sombrío que sugiere el espacio infinito o la negrura de la muerte; y, sin embargo, las imágenes brillan con un esplendor sobrenatural que sugiere la indestructibilidad de la esencia espiritual. Su mayor afinidad es con las obras posteriores de que su mayor obra estaba hecha.
La técnica es atrevida; los trazos son los trazos casi descuidados del maestro seguro de sí mismo; el conocimiento del hombre y de sus obras parece traspasar los confines de esta tierra; las figuras existen contra un fondo sombrío que sugiere el espacio infinito o la negrura de la muerte; y, sin embargo, las imágenes brillan con un esplendor sobrenatural que sugiere la indestructibilidad de la esencia espiritual. Su mayor afinidad es con las obras posteriores de y, sin embargo, las imágenes brillan con un esplendor sobrenatural que sugiere la indestructibilidad de la esencia espiritual. Su mayor afinidad es con las obras posteriores de y, sin embargo, las imágenes brillan con un esplendor sobrenatural que sugiere la indestructibilidad de la esencia espiritual. Su mayor afinidad es con las obras posteriores deLudwig van Beethoven , en el que la vida y la muerte, la exaltación y el dolor, la resignación y el gozo escarmentado, se funden en una afirmación final.
La reputación de Rembrandt, que estaba en declive cuando murió, comenzó a resurgir con fuerza a mediados del siglo XVIII. Desde entonces se ha movido sólo hacia arriba. Habla a todos los hombres: al artista contemporáneo a través de su técnica inimitable, al iletrado a través de su calidez e inmediatez, al filósofo a través de su profunda revelación del espíritu humano. Hoy es el pintor de todos, y es difícil imaginar un día en que sus lienzos, con su maestría, su esplendor y su profundidad, dejen de atraer y agitar las mentes de los hombres.
