¿Quién es Pablo Picasso? La historia de vida de Pablo Picasso. Información sobre la biografía, obra, arte y pintura de Pablo Picasso.
Pablo Picasso; (1881-1973), pintor, escultor y grabador español, considerado el más grande artista de su tiempo. Su nombre es inseparable del arte del siglo XX, período que completó a través de una producción de más de siete décadas en diversos medios. En cada uno de ellos sondeó posibilidades formales, inventó imágenes y reflejó las realidades subyacentes de la época. Al hacerlo, él, nada menos que los mejores pensadores, exploradores y científicos, ayudó a dar forma al mundo del siglo XX.
Primeros años (1881-1904).
Picasso nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, en la costa sur de España, hijo de José Ruiz Blasco y su esposa, María Picasso López. A partir de 1901, Pablo usó solo el nombre materno más glamoroso y ligeramente exótico «Picasso» como su firma.
Don José, profesor de arte, trasladó con su familia primero al puerto atlántico de La Coruña y luego, en 1895, a Barcelona, capital de Cataluña, donde fue profesor en la Escuela de Bellas Artes. En 1895 su hijo superó las pruebas de acceso al colegio en un tiempo récord, matriculándose a los 14 años. Dos años más tarde se marchó a Madrid para estudiar en la Real Academia. Pero pronto regresó a la animada capital catalana y al estímulo intelectual de Els Quatre Gats, la posada donde poetas, artistas y críticos se reunían para intercambiar ideas extraídas del gran mundo fuera de España.
Aunque Picasso formó amistades valiosas y duraderas en Barcelona y Madrid, ninguna de las dos ciudades pudo satisfacer por mucho tiempo su ansiosa curiosidad. En 1904, después de cuatro difíciles años divididos entre París, Barcelona y Madrid, Picasso abandonó España para establecerse definitivamente en París.
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Estilos imitativos.
Picasso dibujó y pintó desde la infancia. En su adolescencia trabajó bajo la influencia de su padre en la tradición convencional del realismo español. A medida que su tema se amplió, los modos imitativos juveniles de Picasso incluyeron el estilo punteado del impresionismo y el sinuoso idioma del art nouveau, que probablemente conocía a través del trabajo del cartelista suizo TA Steinlen y el postimpresionista francés Toulouse-Lautrec. pero más directamente a través de Isidre Nonell, su talentoso y viejo amigo pintor de Barcelona.
Probablemente la primera pintura parisina importante de Picasso, entonces de 19 años, sea Le Moulin de la Galette (1900; Museo Guggenheim, Nueva York). Representa un café oscuro, iluminado por gas, donde hombres con sombreros de copa bailan con mujeres de los demimonde, mientras otros se paran o se sientan en posturas de intimidad seductora.
Periodo azul.
El estado de ánimo y el patetismo expresados a través de figuras de mendigos, lisiados, rameras y otros marginados marcan el primer estilo parisino de Picasso desde finales de 1901 hasta 1904. El azul es el color predominante de obras como The Blue Room (1901; Phillips Collection, Washington) y Old Guitarist (1903; Art Institute of Chicago): un reflejo, tal vez, tanto de un estado mental personal como de un sentimiento pesimista de fin de siglo. A pesar del apoyo inicial de comerciantes tan aventureros como Berthe Weill y Ambroise Vollard y de la amistad alentadora del escritor Max Jacob, Picasso en ese momento sufría pobreza extrema, hambre y frío. Fue, por tanto, un acto de auténtica valentía cuando, sin inmutarse por esta inhóspita acogida, decidió instalarse en París, la capital mundial del arte.
Años antes de la Primera Guerra Mundial (1904-1914).
El período que comienza con la residencia permanente de Picasso en París y termina con el estallido de la Primera Guerra Mundial abarca las contribuciones más significativas del artista al arte. Las primeras obras maestras del Período Rosa y la creación del cubismo caen dentro de esta heroica década de su vida.
En 1904, Picasso se instaló en el Bateau Lavoir, un edificio destartalado en Montmartre llamado así por las gabarras de lavandería en el Sena. Allí vivió durante los siguientes cinco años en pobreza material y euforia espiritual. Además de Max Jacob, se hizo amigo de los estadounidenses Gertrude y Leo Stein, el poeta-crítico Guillaume Apollinaire y su vecina Fernande Olivier, la primera entre muchas amantes famosas cuyos rasgos animaron la obra de Picasso. Lo más importante fue la amistad de Picasso con Georges Braque, con quien unos años más tarde inició el estilo cubista, lanzando así la salida más radical del arte del siglo XX.
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Período rosa.
Hacia fines de 1904, la melancolía caprichosa y a veces sentimental del Período Azul dio paso a tonos predominantemente terrosos, marrones y rosados, a medida que los temas figurativos de Picasso se trasladaban de los cafés y bistros de la ciudad a las carreteras y el campo. Picasso ahora llegó a ver a sus mendigos, gente del circo y cantantes callejeros con una medida de desapego, haciendo que estos sujetos fueran menos cohibidos y más objetivos.
El resumen más impresionante de este nuevo estilo de colores claros es The Family of Saltimbanques (1905; National Gallery, Washington), en el que los miembros de un clan de circo parecen mirar más allá de los demás. Vestidos con ropas de circo y harapos, portando accesorios de su oficio, se ubican en un paisaje escaso que enfatiza su soledad. En pinturas como Autorretrato (1906; Museo de Arte de Filadelfia) y Dos desnudos (1906; Museo de Arte Moderno, Nueva York) la sensación de desapego aumenta junto con atributos escultóricos tridimensionales que se acomodan en un espacio pictórico poco profundo.
Hacia el cubismo.
El desarrollo de Picasso hacia el cubismo alcanzó su punto culminante con la monumental y justamente celebrada Demoiselles d’Avignon (1906-1907; Museo de Arte Moderno). Este cuadro, que lleva el nombre de un burdel de la calle Aviñón de Barcelona, representa, de forma muy estilizada, cinco mujeres angulares desnudas o parcialmente vestidas agrupadas en torno a un arreglo de frutas. Esta versión final, condensada, desarrollada a través de muchos trabajos preparatorios, se logró mediante simplificaciones y eliminaciones graduales de un tema alegórico originalmente conspicuo.
La variada herencia visual de Picasso, que incluye El Greco y la escultura ibérica y probablemente africana, así como el rico legado de Cézanne, está contenida y absorbida dentro de esta gran recapitulación de todos sus esfuerzos anteriores. Al mismo tiempo, la pintura puede verse como un punto de partida para la posterior reforma cubista. Las innovaciones formales de Les Demoiselles contienen el vocabulario básico del cubismo.
La pintura, el medio que Picasso exploró durante más de 70 años, proporciona el único medio de seguir continuamente su estilo. La escultura, que ocurre de manera más esporádica, ofrece un paralelo ocasional a la pintura. Su estilo también se reveló en las ilustraciones de sus libros y otros gráficos, especialmente a partir de la década de 1930.
Cubismo.
En 1909, Picasso se había establecido como un pintor de talento excepcional en París y en el extranjero. Dejando atrás la pintoresca pobreza del Bateau Lavoir, se trasladó a un alojamiento más cómodo en el Boulevard de Clichy. Tomó vacaciones de verano en España y Provenza, y reemplazó a Fernande en sus afectos por su amiga Marcelle Humbert, a la que llamó Eva.
En 1910, el estilo cubista de Picasso alcanzó su plena madurez. En Retrato de Kahnweiler (1910; Art Institute of Chicago), una pintura de su marchante y amigo Daniel-Henry Kahnweiler, Picasso reduce el tema a vestigios que parecen en peligro de desintegrarse en un andamio formal. El significado de tales obras, ya sean pinturas, dibujos, grabados o esculturas, debe buscarse en la conjugación de formas, hasta 1911 mediante la disección analítica y, posteriormente, mediante reconstrucciones sintéticas.
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En la fase analítica anterior, a la que pertenece el retrato de Kahnweiler, la imaginería figurativa y el color se reducen a favor de la estructura. En la fase sintética posterior, se emplean desarrollos formales modificados con la adición de color y una expansión de la iconografía. El cubismo sintético surge del pegado de papel, o «collage», en el que los materiales comerciales comunes, como el papel tapiz, la tela o el periódico, enriquecen y adulteran simultáneamente la forma cubista pura. Naturaleza muerta con silla Caning (1911-1912; Colección Picasso), que combina pintura al óleo y hule impreso, ejemplifica el deleite de Picasso al hacer que la realidad y la ilusión se enfrenten en su siempre esquiva relación.
Picasso también exploró el cubismo en la escultura. Además de ejemplos de cubismo analítico, creó obras maestras como la guitarra de construcción sintética (1912; Museo de Arte Moderno). La severa belleza de tales construcciones fue reemplazada por variantes coloridas e íntimas «rococó» del cubismo, como la escultura en forma de gema Glass of Absinthe (1914; Museo de Arte Moderno).
Años de guerra e interinos (1914-1944).
El estallido de la Primera Guerra Mundial desgarró el tejido del mundo parisino de Picasso. Braque se incorporó al ejército en 1914 y su amistad, eminentemente fructífera, nunca se renovó. Apollinaire, también soldado, murió en una epidemia de influenza. Además, Eva murió en 1915. Picasso, que se había trasladado anteriormente de Mont-martre a Montparnasse, tomó una pequeña casa en Montrouge en 1916.
Realismo.
A pesar de estos trastornos, los años de guerra fueron productivos para Picasso y trajeron importantes cambios estilísticos, especialmente un aparente retorno al realismo, como se ve en un dibujo a lápiz de 1915, Retrato de Vollard (Metropolitan, Nueva York). La imagen de Ambroise Vollard, el primer marchante de Picasso, se presenta con una precisión lo suficientemente meticulosa como para coincidir con el dibujo de Ingres del siglo XIX. Esta pequeña obra, más que ninguna otra, presagia el renovado interés de Picasso por la interpretación descriptiva, que durante algún tiempo fue paralela al cubismo. Influenciado por fuentes grecorromanas, Picasso trabajó en estilos manieristas y neoclásicos. Este desarrollo se mantuvo al tanto de su fase cubista sintética que logró obras maestras como las dos versiones de los Tres Músicos (1921; Museo de Arte de Filadelfia y Museo de Arte Moderno).
El desarrollo realista de Picasso se vio reforzado por los encargos de diseño de escenarios resultantes de un encuentro durante la guerra con Serge Diaghilev y sus Ballets Russes. Con la ayuda de asistentes, Picasso pintó una fantasía neoclásica de figuras de circo en un gran telón para el espectacular Desfile de ballet (1917).
Parade y otras producciones de Diaghilev también llevaron a nuevas amistades con escritores, músicos y artistas vinculados con Dada y el subsecuente movimiento surrealista. Además del líder dadaísta Tristan Tzara y el portavoz surrealista André Breton, Picasso conoció a los poetas Jean Cocteau, Paul Éluard y Louis Aragon; los compositores Erik Satie e Igor Stravinsky; y muchos artistas, incluidos Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miré y Man Ray. Paul Rosenberg se convirtió en su marchante y, en 1918, Picassp se casó con una joven bailarina rusa, Olga Koklova. Muchos viajes, un estilo de vida cada vez más social y el establecimiento de los Picasso en un gran apartamento en la Rue de la Boétie caracterizaron estos años.
Surrealismo.
Durante la década de 1920, una creciente sensación de malestar se refleja en la obra de Picasso. Hubo un cambio en el énfasis de la forma construida a la expresiva y de un estilo predominantemente cubista a uno más cercano al surrealismo, aunque Picasso nunca se unió formalmente al movimiento. La revelación más clara de tales cambios es Three Dancers (1925; Tate Gallery, Londres), que representa a tres figuras femeninas atenuadas inmersas en una danza frenética. La estructura cubista subyacente se utiliza con fines expresivos, y la obra se convierte así en precursora de una imaginería convulsa que luego alcanzó su clímax dramático en 1937, en el Guernica torturado.
Otras pinturas de finales de la década de 1920 y principios de la de 1930 incluyen figuras surrealistas cada vez más distorsionadas, como Mujer en un sillón (1929; Colección Picasso), Bañista sentado (1930; Museo de Arte Moderno) y naturalezas muertas. La escultura de este período incluye figuras metamórficas de bronce (y dibujos relacionados), construcciones geométricas de varillas de hierro y láminas de metal influenciadas por el escultor Julio Gonzales, grandes figuras de yeso del hombre y la bestia, e ingeniosos ensamblajes de objetos hechos por el hombre con tintes surrealistas. Sus prolíficos trabajos gráficos incluyen series de aguafuertes que ilustran las Metamorfosis de Ovidio (1931), Lysistrata de Aristófanes (1934) y el tema del taller del escultor (1933).
Las tensas atenuaciones en muchas de las obras de Picasso de este período pueden, en parte, leerse como un reflejo de la crisis personal. Su vida doméstica llegó a un punto muerto, que a mediados de la década de 1930 provocó una drástica reducción de sus actividades pictóricas. El fracaso de su matrimonio y la posterior separación de la Olga convencional en 1935 fue acotado por relaciones con la sensual modelo rubia Marie Thérèse Walter a principios de la década de 1930 y más tarde con la distante y aristocrática fotógrafa Dora Maar. Sus rasgos habitan gran parte de la obra de Picasso, como La niña ante un espejo (1932; Museo de Arte Moderno) y Mujer llorando (1937; Colección Sir Roland Penrose, Londres).
Expresión de crisis histórica.
En la década de 1930, las imágenes surrealistas de Picasso se volvieron más abiertamente simbólicas, y sus alegorías privadas mostraban simultáneamente no solo su confusión emocional personal, sino también los trágicos acontecimientos políticos de la época. La Guerra Civil española de 1936 generó un patriotismo y una indignación humanitaria expresada en la serie de aguafuertes El sueño y la mentira de Franco (1937) y en Guernica, la alegoría mural que retrata la ciudad española bombardeada por las fuerzas franquistas, que se convirtió en sinónimo de victimización a través de la destrucción sin sentido.
Tanto en la serie Franco como en Guernica, Picasso recurre al imaginario taurino que le había cautivado intermitentemente a lo largo de su vida y que había empleado con nueva convicción en su magistral grabado Minotauromaquia (1935). Los protagonistas de este último —el toro de la fuerza bruta, el caballo agonizante, la mujer torera caída y la niña sosteniendo una luz— reaparecen transformados en Guernica y en su extenso ciclo de fragmentos, bocetos y versiones en diversos medios . Una expresión insuperable de violencia, Guernica bien puede ser la creación plástica más intensa de su tiempo. Cedido al Museo de Arte Moderno, Picasso ordenó que lo llevaran a España cuando ese país se convirtiera en república.
Dos años después de la finalización de Guernica, toda Europa se vio envuelta en una guerra. Picasso estaba encerrado en su estudio de la Rue des Grandes Augustines de París, al que se había trasladado tras esconder su obra cerca de Burdeos.
Años de posguerra (1944-1973).
La liberación de París en 1944 encontró a Picasso bien y trabajando duro, lanzando ese año El hombre con un cordero, un poderoso bronce que evoca la escultura griega arcaica. Su eficaz resistencia pasiva contra los alemanes, combinada con su fama ahora universal, realzó enormemente su estatura pública. En un gesto de idealismo ingenuo, se unió al Partido Comunista en 1944. Su litografía de una paloma, utilizada en un cartel, se convirtió en un símbolo de los movimientos pacifistas de izquierda.
Poco a poco, sin embargo, Picasso se retiró tanto de la actividad pública como de París, pasando cada vez más tiempo en el sur de Francia. En compañía de la joven pintora Françoise Gilot, se trasladó primero a Antibes en 1946 y luego en 1948 a la ciudad alfarera de Vallauris. Allí realizó la producción a gran escala de cerámica pintada y modelado de figuras y ejecutó los murales Guerra y paz (1952) en una capilla desconsagrada del siglo XII. Las pinturas de este período incluyen la alegre Joie de Vivre (1946; Musée Grimal-di, Antibes), así como muchos retratos de Françoise.
En 1953, Françoise dejó a Picasso, y ese año Jacqueline Roque, prima de un alfarero de Vallauris, se convirtió en la última de las mujeres que inspiraron al artista. Se mudaron de villa en villa, en Cannes y en las cercanías de Aix-en-Provence. Olga, que nunca se había divorciado de Picasso, había muerto en 1955 y en 1961 se casó con Jacqueline. Finalmente se establecieron en Mougins, en las montañas al norte de Cannes.
El siempre robusto y enérgico Picasso continuó una vida laboral intacta. Pero en estos últimos años, las innovaciones radicales de su juventud y madurez dieron paso a imágenes distantes y burlonas, en temas tan recurrentes como el artista envejecido y la joven modelo. Basándose en las reservas acumuladas en una vida de búsqueda formal, Picasso se volvió cada vez más hacia el pasado para interpretar a Delacroix, Velázquez y Manet en sus propios términos. Cuando, cerca de los 92 años, murió en Mougins el 8 de abril de 1973, el mundo, casi olvidado de su radicalismo, lo reconoció y lamentó como el último de los grandes maestros.
