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Obras y poemas de William Shakespeare (cronología y períodos)

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¿Cuáles son los poemas y obras de teatro de William Shakespeare? Información detallada y análisis de obras y poemas de William Shakespeare.

CRONOLOGÍA DE LAS OBRAS

La fecha de composición de las obras de Shakespeare a menudo no se puede fijar con mucha precisión, pero en algunos casos tenemos una fecha definida para una representación. La siguiente cronología, de William Shakespeare (1930) de Edmund K. Chambers, es generalmente aceptada.

  • 1590-1591 Enrique VI, Partes 2 y 3
  • 1591-1592 Enrique VI, Parte 1
  • 1592-1593 Ricardo III; comedia de errores
  • 1593-1594 Tito Andrónico; Doma de la musaraña
  • 1594-1595 Dos Caballeros de Verona; De perdida de trabajo de amor; Romeo y Julieta
  • 1595-1596 Ricardo II; sueño de una noche de verano
  • 1596-1597 Rey Juan; Mercader de Venecia
  • 1597-1598 Enrique IV, Partes 1 y 2
  • 1598-1599 Mucho ruido y pocas nueces; Enrique V
  • 1599-1600 Julio César; A su gusto; duodécima noche
  • 1600-1601 Aldea; Las alegres comadres de Windsor
  • 1601-1602 Troilo y Crésida
  • 1602-1603 Bien está lo que bien acaba
  • 1604-1605 Medida por MedidaOtelo
  • 1605-1606 Rey Lear; Macbeth
  • 1606-1607 Antonio y Cleopatra
  • 1607-1608 Coriolano; Timón de Atenas
  • 1608-1609 Pericles
  • 1609-1610 Cimbelino
  • 1610-1611 Cuento de invierno
  • 1611-1612 Tempestad
  • 1612-1613 Enrique VIII; Dos parientes nobles

Los primeros editores de Shakespeare, sus colegas Heminge y Condell, dividieron sus obras en comedias, historias y tragedias, pero no las organizaron en orden de composición. La primera obra de su Folio es The Tempest, una obra tardía, y la última es Cymbeline, también una obra tardía.

Fuente : pixabay.com

Cronología y Periodos.

El primer intento serio de determinar el orden en que se escribieron las obras fue realizado por Edmond (o Edmund) Malone en 1778. El esfuerzo fue continuado en el siglo XIX por Frederick J. Furnivall, Frederick G. Fleay y otros miembros de la Nueva Sociedad de Shakespeare (1873-1894), que fundó Furnivall. Una cronología generalmente aceptada del siglo XX es la de Edmund K. Chambers, que se muestra en la tabla adjunta.

Ahora es convencional, aunque artificial, dividir la carrera de Shakespeare en tres períodos: el Período Temprano, hasta que su compañía adquirió el Globe Theatre en 1599; el Período Medio, desde ese momento hasta que adquirieron los Blackfriars en 1608; y el Período Final.

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Período Temprano.

Cuando comenzó, Shakespeare era un experimentador. Estaba entrando en un campo en el que John Lyly había creado comedias cortesanas ingeniosas y sofisticadas; Christopher Marlowe había cargado sus melodramas heroicos con la poderosa línea de poesía que dejó obsoletas para siempre las «venas que se mueven del ingenio

de la madre que rima» (Tamborlina de Marlowe); y Thomas Kyd había asombrado al escenario con su obra de venganza The Spanish Tragedy. George Peele y Robert Greene habían escrito obras románticas de género mixto.

Shakespeare escribió cuatro obras sobre la Guerra de las Rosas, haciendo una especie de serie épica del Rey Enrique Sexto, Partes 1, 2 y 3, y el Rey Ricardo Tercero. La caracterización no es profunda y el verso es a menudo rígido y retórico, pero estas obras conducirían a los grandes logros del rey Ricardo II, el rey Enrique IV y el rey Enrique V. En estas obras históricas maduras, Shakespeare combina historia, sentimiento patriótico, gran interpretación de personajes e incluso comedia de la manera más magistral.

En la tragedia, Shakespeare comenzó con un thriller de terror senecano, Titus Andronicus, y sabiamente se desvió de eso hacia la tragedia romántica de Romeo ana Juliet, una obra de belleza eterna pero una tragedia del destino más que del personaje. En la comedia, comenzó con una estrecha imitación de la comedia latina, pero gradualmente introdujo más y más el elemento del amor romántico, lo que hace que sus grandes comedias al final de este período: Mucho ruido y pocas nueces, Como gustéis y Duodécimo. Noche: suprema de su clase.

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Período Medio.

Un experimento con material romano en Julio César condujo a las grandes tragedias Hamlet, Otelo, El rey Lear y Macbeth. En estas obras, tanto el carácter como el destino influyen en el resultado. Las mejores caracterizaciones de Shakespeare y su visión más profunda de la naturaleza del mal y las luchas del alma humana se pueden ver aquí. Al mismo tiempo, escribió un grupo de «comedias problemáticas», que no son tan alegres como las grandes, pero buscan significado en dilemas morales problemáticos. Hacia el final de este período volvió a los temas clásicos en Antonio y Cleopatra, Coriolano y Timón de Atenas.

Período Final.

Lo que le quedó a Shakespeare por explotar fue el área del romance, muy popular en su época tanto en la ficción como en el drama. Él había usado r

elementos románticos en obras anteriores como Dos caballeros de Verona, Como gustéis y El mercader de Venecia, pero los había subordinado a los requisitos de la comedia. Ahora, en Pericles, Príncipe de Tiro; cimbelino; el cuento de invierno; y La tempestad: eligió tramas con más asombro que probabilidad en ellas y enfatizó el espectáculo, la canción y los efectos sensacionales. Al mismo tiempo creó una maravillosa serie de heroínas inocentes y perseguidas. Finalmente, quizás después de su retiro a Stratford alrededor de 1612, Shakespeare colaboró ​​​​con su colega más joven John Fletcher en la obra de historia King Henry the Eighth y en The Two Noble Kinsmen, basada en Knight’s Tale en Chaucer’s Canterbury Tales.

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Cuartos y Folios.

Que Shakespeare fue un artista es obvio. La calidad de las jugadas no puede ser el resultado de un accidente. Pero esto no significa que estuviera escribiendo para los lectores. Estaba escribiendo para el teatro. Él y su compañía se beneficiaron principalmente de la producción, no de la publicación, de sus obras, y no hay evidencia de que preparara alguna de ellas para la prensa. La cuestión, entonces, de cómo sus obras llegaron de su propio manuscrito a nuestros textos modernos es de gran importancia e interés.

Dieciocho de las obras de Shakespeare se publicaron por separado como panfletos en cuarto. Estos se reimprimieron en la colección de folios de 1623 y se agregaron 18 obras inéditas. Los editores del folio, los socios de Shakespeare, Heminge y Condell, condenaron los primeros cuartos como «buzos robados y copias subrepticias, mutilados y deformados por los fraudes y sigilos de impostores injuriosos». En el folio, se afirmó, estas obras se entregaron «curadas y perfectas de sus miembros» y las obras inéditas «absolutas en su número tal como él las concibió». Durante más de dos siglos, estas palabras se tomaron literalmente, pero la investigación moderna ha demostrado que, por lo general, los editores de folio reimprimían un cuarto anterior cuando lo había. A menudo usaban un cuarto reciente, con sus errores tipográficos acumulados, en lugar del más antiguo. Pero a menudo introdujeron cambios, aparentemente de un manuscrito de teatro. Además, algunos de los cuartos muestran signos de haber sido elaborados a partir del propio manuscrito de Shakespeare o de una copia fiel del mismo.

El prejuicio contra los cuartos está bien justificado, sin embargo, en el caso de los seis, ahora siempre llamados los “malos cuartos”. Son Romeo y Julieta de 1597, el rey Enrique V de 1600, las alegres comadres de 1602, el Hamlet de 1603 y las ediciones de 1594-1595 de las partes 1 y 2 del rey Enrique VI. Estos textos mal ilegibles ciertamente nunca provienen de la copia inmediata o del manuscrito del autor. Fueron tomados con taquigrafía defectuosa por un agente en la audiencia o, más probablemente, reconstruidos de memoria por un actor u otro empleado de la compañía. A veces, la versión en la que se basó la reconstrucción puede haber sido una forma abreviada utilizada en giras por provincias. Y siempre existe la posibilidad de que diferentes textos de una obra se hayan originado antes y después de la revisión por parte del autor o de otra persona.

Manuscritos.

No ha sobrevivido ningún manuscrito del autor de una obra de teatro en el folio, pero se ha presentado un caso sólido a favor de la mano de Shakespeare como una de las de una obra de autoría compuesta llamada Sir Thomas More. La mayoría de los estudiosos creen que 147 líneas en tres páginas del manuscrito en el Museo Británico están escritas a mano por el propio Shakespeare. Si es así, se ha encontrado alguna confirmación para la afirmación de los editores del folio sobre la facilidad de su autor: “Su mente y su mano iban juntas, y lo que pensaba lo pronunciaba con esa facilidad que apenas hemos recibido de él una mancha en sus papeles. ” La réplica de Ben Jonson a este comentario es característica y famosa: “Recuerdo que los Actores lo han mencionado a menudo como un honor para Shakespeare, que en sus escritos (cualquier cosa que haya escrito) nunca borró la línea. Mi respuesta ha sido, si hubiera borrado mil. Lo cual les pareció un discurso malévolo. Esto no lo había dicho a la posteridad, sino por su ignorancia, que eligen esa circunstancia para encomiar a su amigo por la que más falla. Y para justificar mi propia franqueza (pues amaba a ese hombre y honro su memoria (por este lado de la idolatría) tanto como cualquiera). un excelente Phantsie; ideas valientes y expresiones amables: en las que fluía con esa facilidad, que en algún momento era necesario que lo detuvieran: Sufflaminandus erat; como dijo Augusto de Haterio. Su ingenio estaba en su propio poder; si la regla hubiera sido así también. . . y honro su memoria (en este lado de la idolatría) tanto como cualquiera.) Era (de hecho) honesto, y de una naturaleza abierta y libre: tenía una excelente Phantsie; ideas valientes y expresiones amables: en las que fluía con esa facilidad, que en algún momento era necesario que lo detuvieran: Sufflaminandus erat; como dijo Augusto de Haterio. Su ingenio estaba en su propio poder; si la regla hubiera sido así también. . . y honro su memoria (en este lado de la idolatría) tanto como cualquiera.) Era (de hecho) honesto, y de una naturaleza abierta y libre: tenía una excelente Phantsie; ideas valientes y expresiones amables: en las que fluía con esa facilidad, que en algún momento era necesario que lo detuvieran: Sufflaminandus erat; como dijo Augusto de Haterio. Su ingenio estaba en su propio poder; si la regla hubiera sido así también. . .

No sorprende que no haya sobrevivido ningún manuscrito de las obras de Shakespeare en el folio. No se debe suponer que el interés del siglo XX por los manuscritos originales existió en el siglo XVI. Además, el manuscrito del autor tenía un valor práctico como texto de trabajo de la obra, y se habría utilizado en lugar de conservarse. Una vez finalizada una obra de teatro, la compañía primero tenía que enviarla al licenciador oficial, que era el Maestro de los Revels. Lo leyó y estampó su firma en el manuscrito (por lo que recibió una tarifa) si la obra le parecía libre de ofensas. El principal interés de esta censura era político. Sir Thomas More no se produjo, por ejemplo, porque el maestro encontró algunos de sus discursos peligrosos y permitiría que apareciera la obra solo si se hacían cambios considerables. Más tarde, en el reinado del rey James,

Si la obra contaba con su aprobación, el autor de la licencia firmaba una orden judicial en la última página, se embolsaba los honorarios y devolvía el manuscrito a los jugadores. Luego hicieron una transcripción o usaron el original para una copia del director. Se hicieron notas de direcciones de escena, a veces con los nombres de los actores en cuestión. Es por una nota de este tipo, llevada a la imprenta, que sabemos que Will Kemp interpretó a Dogberry en Mucho ruido y pocas nueces. Se redactó una «trama» o sinopsis de las escenas, con entradas anotadas, para colgar en la sala de espera, y las partes para que las memorizaran los actores individuales se copiaron del manuscrito de la obra.

Los problemas de dirección en la época isabelina —las dificultades que un autor tenía que superar antes de que su obra se produjera como él deseaba— pueden deducirse mejor del consejo de Hamlet a los actores. Allí, Shakespeare muestra una sensibilidad a la dicción («Habla el discurso, te lo ruego, como te lo pronuncié, tropezando con la lengua»), una aversión a la sobreactuación extravagante («Oh, me ofende el alma escuchar un discurso robusto». , tipo con peluca desgarra una pasión hecha jirones”), un amor por “la modestia de la naturaleza” y una molestia por las bromas interpoladas de un comediante (“Eso es malvado, y muestra una ambición muy lamentable en el tonto que lo usa” ).

El teatro isabelino no tenía el sistema de largas series de obras que nos es familiar. La compañía mantuvo varias obras de teatro en el repertorio durante una temporada, y cuando el manuscrito ya no era necesario como una copia rápida, se guardaba hasta que surgía alguna ocasión para revivirla, una gira por las provincias o la oportunidad de tocar en la corte. . Si por alguna razón los jugadores decidieran publicar una jugada, la versión publicada podría incorporar cambios y notas hechas previamente por los jugadores, así como errores de imprenta o enmiendas.

Fuentes.

Como todos los demás dramaturgos, se basó no solo en la vida sino también en los libros como material. En varios casos, en particular El rey Juan, La fierecilla domada, El rey Enrique IV, El rey Lear y Hamlet, reescribió obras antiguas. Para sus obras de teatro históricas en inglés, buscó material en las Crónicas de Inglaterra, Escocia e Irlanda de Raphael Holinshed. Encontró allí muchos detalles históricos, caracterizaciones breves y formales, y los prejuicios sobre la historia inglesa del siglo XV que favorecían el interés de los Tudor. Usó su material con libertad, sacando los motivos de su contexto, alterando las edades de los personajes, haciendo cualquier cosa, de hecho, que aumentara la efectividad dramática de su obra si no contradijera demasiado el conocimiento general. Las obras históricas fueron populares en la década posterior a 1588 debido al renacimiento del patriotismo inglés después de la Armada, y hay muchos indicios de que los isabelinos consideraban las obras como “historia verdadera”, tan educativas como las crónicas y mucho más entretenidas. En la obra histórica, Shakespeare encontró oportunidades para el estudio del carácter que sirvieron como ejercicios preliminares para sus mayores logros. Ricardo II, por ejemplo, es un personaje que presagia en parte a Hamlet, y Ricardo III prefigura a Yago.

Un libro mucho más rico desde el punto de vista de la representación de personajes le proporcionó «el material para sus tragedias romanas». Esta es la traducción de Sir Thomas North (1579) de Plutarch’s Lives. Aquí Shakespeare obtuvo no solo análisis biográficos complejos de los héroes de la antigüedad, sino también mucho que fue útil para el estilo. Versifica páginas enteras de la prosa de North, cuyo ejemplo más notable es la descripción que hace Enobarbo de la barcaza de Cleopatra (Antony and Cleopatra, Act II, Scene 2). Pero todavía hay una gran libertad en la selección y utilización del material, y mucho de lo que usa se transforma al pasar por la imaginación romántica del inglés. Enobarbo es casi enteramente una invención de Shakespeare, y los ciudadanos de Julio César no los vio en un libro sino en las calles de Londres.

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Dos veces Shakespeare dramatizó novelas inglesas: Como gustéis de Rosalynde de Thomas Lodge y El cuento de invierno de Pandosto de Robert Greene, quien años antes había llamado a Shakespeare un “cuervo advenedizo”. Muchas de sus obras dependen, directa o indirectamente, de cuentos italianos de amor, aventuras y violencia. La crítica moderna ha cuestionado si siempre existe una unidad entre estas tramas adoptadas y los personajes que las representan. Si se encuentra una desunión, es solo otra evidencia de la forma profunda en que el personaje absorbió la mente del dramaturgo, a veces con descuido de otros asuntos.

Se ha demostrado que otros grandes libros, como la Biblia inglesa y los Ensayos de Montaigne, afectaron fuertemente el pensamiento y el estilo de Shakespeare. Sin embargo, por “inculto” que se suponía que había sido, los libros jugaron un papel importante en su educación.

Fuente : wikipedia.org

Cuestión de autoría.

La cuestión de la autoría de las obras publicadas ahora o anteriormente bajo el nombre de Shakespeare ha girado en varias direcciones y ha tenido muchas ramificaciones. El primero de estos son los apócrifos: obras atribuidas a Shakespeare en su vida o más tarde, pero que ahora no están incluidas en el canon (las obras auténticas). La segunda es la cuestión de si William Shakespeare de Stratford fue realmente el autor de las obras del canon o si su nombre se puso simplemente en obras que son obra de otro hombre. La tercera es la cuestión de si las obras del canon son colaboraciones, obras de otros hombres ligeramente revisadas por Shakespeare, o obras redactadas por Shakespeare y terminadas por otros escritores.

El canon de las obras dramáticas de Shakespeare consta de las 36 obras publicadas en el Primer Folio de 1623 más otras dos, Pericles y Los dos nobles parientes, y parte de una tercera, Sir Thomas More. Cuatro obras que se le atribuyeron de manera fraudulenta durante su vida: Sir John Ola-castle, The London Prodigal, A Yorkshire Tragedy y The Troublesome Reign of King John, forman parte de los apócrifos. El resto consiste en obras incluidas en el segundo número del Tercer Folio de 1664, que ya había sido impreso en cuarto con las iniciales WS u otro indicio de autoría shakesperiana.

Se han hecho muchos intentos, poco convincentes para la gran mayoría de los eruditos de Shakespeare, para demostrar que William Shakespeare es un seudónimo del verdadero autor de las obras del canon, que no era el actor de Stratford. Se han propuesto unos 60 nombres. Los cuatro favoritos son Francis Bacon; Edward de Vere, decimoséptimo conde de Oxford; William Stanley, sexto conde de Derby; y Christopher Marlowe. Si Shakespeare colaboró ​​con otros es una pregunta académica más respetable. Ahora se cree que lo hizo en King Henry the Eighth, The Two Noble Kinsmen y Pericles, así como en parte de Sir Thomas More.

Poemas de William Shakespeare:

Shakespeare fue tanto poeta como dramaturgo. Afortunadamente, la existencia de un drama poético que, después de Marlowe, fue capaz de la mayor expresión poética y dramática hizo

que Shakespeare continuara la carrera como poeta no dramático que había comenzado con Venus y Adonis y El rapto de Lucrecia. La excepción a esto es su serie de sonetos publicados en 1609.

Venus y Adonis, de Shakespeare, fue ingresada para su publicación el 18 de abril de 1593 por el impresor Richard Field, un conciudadano tres años mayor que él, que había llegado a Londres en 1579. El poema estaba dedicado al joven conde de Southampton, un favorito mecenas de los escritores de versos amorosos, y probablemente el noble le otorgó algún tipo de reconocimiento monetario, aunque la vieja leyenda que una vez le dio al poeta £. 1.000 es increíble. La dedicatoria se refiere a Venus y Adonis como “el primer heredero de mi invención” (es decir, su primera obra publicada), y Shakespeare promete “algún trabajo más serio” si éste se considera aceptable. La promesa se cumplió un año después con la dedicación de La violación de Lucrecia, en la que el poeta dice que tiene la garantía de la disposición del conde que asegura la aceptación de esta segunda ofrenda. “Lo que he hecho es tuyo,

Sonetos y Letras.

En 1599, el editor William Jaggard publicó una pequeña antología llamada The Passionate Pilgrim con el nombre de Shakespeare en la portada. Entre los 20 poemas hay dos sonetos de él y tres extractos de Love’s Labour’s Lost, pero se sabe que algunos de los otros poemas son de otros hombres y posiblemente todos lo sean. Cuando el libro llegó a una tercera edición en 1612, se agregaron varias selecciones de Troia Britanica de Thomas Heywood, y Heywood protestó por la piratería, con el comentario de que Shakespeare también estaba molesto. Esto condujo a la publicación de una nueva portada sin el nombre del autor. En 1601, un poema genuino de Shakespeare, ahora llamado The Phoenix and the Turtle, apareció en Love’s Martyr de Robert Chester, una colección de poemas que celebran el amor de Sir John Salusbury y su esposa. El poema de Shakespeare es «metafísico», en cuartetas, y se ha encontrado tanto con una fuerte condena como con una fuerte alabanza. Anexado a la edición de los sonetos en 1609 había un poema llamado La queja del amante. Los críticos modernos dudan, basándose en pruebas internas, de que sea de Shakespeare.

No esta miscelánea sino las canciones y otros pasajes líricos de las obras y los sonetos dan a Shakespeare el rango más alto como poeta lírico. Cuando escribía letras para música, su estilo se hacía claro y límpido, por muy torturada y compleja que pudiera ser la obra. Las canciones suelen estar llenas de agradables detalles de la naturaleza, muy inglesas, pero nunca llegan a ser prosaicas o pedestres. Muestran la alegría del ballet contemporáneo o la canción de baile, la gravedad del motete y la calidad epigramática ocasional del madrigal. Todas estas canciones parciales habían alcanzado el apogeo de su desarrollo en vida del poeta, y la canción moderna con acompañamiento, el “aire”, apenas comenzaba a aparecer. Dos de las canciones de Shakespeare todavía se pueden cantar en escenarios musicales contemporáneos. Son “Era un amante y su muchacha” (de Como gustéis, Acto 5, Escena 3), ambientada por Thomas Morley en su First Book of Airs (1600), y «O mistress mine» (de Twelfth Night, Act II, Scene 3), ambientada por Morley en su Consort Lessons (1599) y por William Byrd con elaboradas variaciones para las virginales. Las canciones al final de Love’s Labour’s Lost, que comienzan con «When daisies pied and violets blue» y «When icicles hang by the wall», han sido calificadas por John Masefield como las cosas más hermosas jamás dichas sobre Inglaterra. Pero lo más importante de todo, las canciones siempre tienen un propósito dramático y una efectividad dramática. El poeta nunca suelta su lirismo sin sentido ni ociosamente. El principio “Cuando las margaritas son de varios colores y las violetas son azules” y “Cuando los carámbanos cuelgan de la pared”, ha sido calificado por John Masefield como la cosa más hermosa jamás dicha sobre Inglaterra. Pero lo más importante de todo, las canciones siempre tienen un propósito dramático y una efectividad dramática. El poeta nunca suelta su lirismo sin sentido ni ociosamente. El principio “Cuando las margaritas son de varios colores y las violetas son azules” y “Cuando los carámbanos cuelgan de la pared”, ha sido calificado por John Masefield como la cosa más hermosa jamás dicha sobre Inglaterra. Pero lo más importante de todo, las canciones siempre tienen un propósito dramático y una efectividad dramática. El poeta nunca suelta su lirismo sin sentido ni ociosamente.

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