Arte Renacentista Para Niños – Características Famosos Artistas y Obras

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¿Cuáles son las características del arte renacentista? Información sobre los famosos artistas y obras de arte renacentista para niños.

Arte Renacentista Para Niños

Muchas de las nuevas ideas y actitudes que marcaron los tiempos del Renacimiento fueron retratadas en el arte. Una nueva idea llamada humanismo se centra en los intereses, necesidades y habilidades humanas. Esta nueva idea cambió la forma en que los artistas pintaban sus temas, así como la elección de los temas que pintaban.

El arte del Renacimiento se divide a menudo en dos períodos:

Renacimiento temprano (1400-1479): los artistas aprendieron al tratar de emular a los artistas clásicos centrándose en la simetría y creando la forma perfecta. Esta era contó con artistas como Giotto, Masaccio y Donatello.

Alto Renacimiento (1475-1525): el creciente interés por la perspectiva y el espacio le dio al arte aún más realismo. Grandes artistas como Miguel Ángel, Leonardo da Vinci y Rafael florecieron durante este período.

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Cambio de Temas

En la Edad Media, el tema de casi todo el arte europeo era la religión, específicamente el cristianismo y la Iglesia católica. Aunque los artistas del Renacimiento continuaron pintando pinturas religiosas, también se extendieron a otros temas, como la mitología griega y romana, los temas históricos y los retratos de individuos. También se centraron en los detalles de la vida cotidiana.

Realismo

Uno de los grandes cambios en el arte fue pintar y esculpir temas de manera realista. Esto se llama realismo e involucra una serie de técnicas que hacen que los sujetos y el fondo se vean como lo harían en la vida real. Esto también significaba dar a los sujetos más cualidades emocionales.

Nuevas tecnicas y estilos

Muchas técnicas nuevas fueron introducidas durante el Renacimiento. Estas técnicas ayudaron a mejorar la calidad y el realismo del arte.

Perspectiva: la perspectiva es dibujar o pintar una imagen tal que parece que hay tres dimensiones. Da la ilusión de que algunos objetos en la pintura están más lejos que otros.

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Balance y proporción: dibujar sujetos de manera que tengan el tamaño correcto cuando se comparan entre sí.

Uso de la luz y la oscuridad: muchos artistas comienzan a usar la luz y las sombras en sus obras para agregar drama, perspectiva y sincronización a su arte.

Sfumato: esta fue una técnica utilizada por Leonardo da Vinci para agregar una perspectiva y dimensión adicionales a las pinturas. Era una forma de difuminar las líneas entre los sujetos. Esta técnica fue utilizada en la Mona Lisa de Leonardo.

Forzamiento: otra técnica que agrega perspectiva y profundidad a las pinturas, el escorzo es una forma de acortar líneas para dar la ilusión de profundidad.

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